Falando no Festival Internacional de Cinema da Índia em Goa, Hugo Weaving revelou que irá repetir seu papel como Frank Harkness na 5ª temporada de “Slow Horses”, retornando a Londres em janeiro para uma filmagem de dois meses e meio.

“Cada temporada geralmente é um livro, mas também cada temporada se afasta um pouco desses livros”, disse Weaving. “Estamos chegando ao ponto com ‘Slow Horses’ em que as estações estão alcançando a quantidade de livros que (Mick) Herron escreveu.”

O ator também forneceu uma atualização sobre a sequência em desenvolvimento de “As Aventuras de Priscilla, Rainha do Deserto”, de 1994. “Eu estava mandando uma mensagem para o diretor (Stephan Elliott) esta manhã. Tenho outro roteiro para ler. Li cerca de cinco rascunhos”, disse Weaving. “Está lentamente se aproximando de talvez acontecer no próximo ano. Ainda há muitas coisas para finalizar, mas parece promissor.”

Embora Weaving seja mundialmente reconhecido pela franquia “Matrix”, na Índia ele continua amplamente conhecido por sua interpretação do capitão de críquete inglês Douglas Jardine na série de televisão “Bodyline”, de 1984. “Eu sei o quão grande era ‘Bodyline’. Foi enorme na Austrália também”, disse Weaving. “Foi numa época em que era possível colocar algo na televisão e 50-60% da nação assistia a esse programa. E isso não acontece mais.” Ele acrescentou com humor sobre seu papel como a polêmica figura do críquete: “Ele é provavelmente um dos maiores vilões da história do esporte mundial”.

Weaving esteve em Goa para apresentar “The Rooster”, um thriller australiano dirigido por Mark Leonard Winter, no qual ele interpreta um eremita que pode ter respostas sobre um corpo enterrado descoberto por um policial de uma pequena cidade.

Winter escreveu o papel especificamente para o artista veterano. “Quando pensei: ‘Vou tentar escrever um roteiro’, comecei a escrever o papel para Hugo, porque meu sonho seria trabalhar com ele”, disse Winter. “Ter poder dizer para as pessoas que o Hugo viria e atuaria legitimou o nosso projeto.”

Sobre sua decisão de ingressar no projeto, Weaving disse que foi “um personagem maravilhoso escrito, e adorei a ideia do filme também. Na verdade, era Mark, o homem, e a escrita de Mark me trouxe ao filme.”

O filme foi rodado na casa de Winter em Victoria, Austrália. A Austrália é o país em foco na IFFI deste ano. Enquanto estavam na IFFI, Winter e Weaving expressaram interesse em possíveis colaborações futuras com cineastas indianos, e Weaving revelou discussões em andamento com Anand Gandhi. Quanto a Winter, ele disse que completou o primeiro rascunho de um filme de vampiros como seu próximo projeto de direção.

Os gigantes do streaming são uma força a ser reconhecida na corrida pelo 52º Emmy Internacional, organizado pela Academia Internacional de Artes e Ciências Televisivas, à medida que se aproximam da premiação em 25 de novembro, em Nova York.

Os indicados para série dramática incluem a segunda temporada do thriller argentino “Yosi, the Regretful Spy”, da Prime Video, baseado na história real de um agente da polícia argentina que se infiltra em uma comunidade judaica. Também indicado está o remake indiano da Disney+ Hotstar da adaptação de John le Carré da BBC/AMC, “The Night Manager”, sobre um traficante de armas corrupto e perigoso.

Eles competem ao lado de “Drops of God” da Apple TV+, adaptado de uma série de mangá, sobre a filha distante de um especialista em vinhos francês que deve competir com o protegido japonês de seu pai em uma série de testes; e a segunda temporada de “The Newsreader”, do Prime Video, sobre o mundo cruel da mídia australiana na década de 1980.

Na categoria de filmes/minisséries para TV, a Netflix tem o drama de suspense alemão “Dear Child”, baseado no romance de Romy Hausmann sobre duas crianças e sua mãe que escapam de anos de cativeiro; e a Paramount+ tem o brasileiro “Anderson Spider Silva”, sobre um lutador de artes marciais mistas da vida real.

Eles enfrentam o mistério policial japonês “Voz surda: um intérprete de linguagem de sinais no tribunal”, no qual um ex-policial usa suas habilidades em linguagem de sinais para trabalhar como intérprete judicial e, inadvertidamente, é pego em uma investigação de assassinato. O programa foi ao ar na emissora japonesa NHK.

Também concorrerá o drama policial “O Sexto Mandamento”, da emissora britânica BBC, baseado nos assassinatos reais de um professor e seu vizinho em uma vila inglesa. O show ganhou BAFTAs para série dramática limitada e ator principal para Timothy Spall.

Spall compete na mesma categoria por um Emmy Internacional, competindo com Laurent Lafitte no “Class Act” da França, outro programa da Netflix, sobre uma das figuras públicas mais controversas da França, Bernard Tapie. Eles enfrentam Julio Andrade por “Living on a Razor’s Edge”, do streamer local Globoplay, sobre o ativista antipobreza e sociólogo Herbert de Souza; e Haluk Bilginer na 2ª temporada de “Persona” da Turquia, produzido para o serviço VOD turco Gain. Bilginer ganhou o Emmy Internacional em 2019 pela primeira temporada de “Persona”, sobre um homem com Alzheimer que se torna vigilante.

Na corrida de atrizes, Adriana Barraza participa da comédia dramática da Netflix “Where the Tracks End”, baseada no romance de Ángeles Doñantes, sobre uma professora inspiradora na zona rural do México. Da Tailândia, Aokbab-Chutimon Chuengcharoensukying compete pelo thriller da Netflix “Fome”, que ganhou o prêmio de melhor longa-metragem no Asian Academy Creative Awards. É sobre um jovem chef de comida de rua em Bangkok que é recrutado por um infame restaurante de luxo onde o perigo espreita.

Sara Giraudeau é concorrente do filme francês “Tudo Está Bem” para o Disney+, no qual uma família comum enfrenta uma catástrofe: a grave doença de um de seus filhos. Jessica Hynes compete com a segunda temporada da comédia dramática britânica There She Goes. Hynes ganhou um BAFTA pela primeira temporada. O programa da BBC é baseado nas experiências da vida real dos escritores Shaun Pye e Sarah Crawford, cuja filha nasceu com um raro distúrbio cromossômico.

Na categoria documentário estão “O bilionário, o mordomo e o namorado”, da França, para a Netflix, sobre uma rivalidade entre a mulher mais rica do mundo e sua filha; o britânico “Otto Baxter: Not a F**ing Horror Story” para Sky, sobre um homem de 35 anos com Síndrome de Down enquanto escreve e dirige um musical de comédia e terror ambientado na Londres vitoriana; “The Exiles” de Singapura para a Mediacorp, sobre as deportações de marinheiros asiáticos do Reino Unido e da Austrália após a Segunda Guerra Mundial; e “Transo” do Brasil para o Canal Futura, que explora a vida sexual de pessoas com deficiência.

Na zona da comédia, o “Daily Dose of Sunshine” da Coreia do Sul compete com a “División Palermo” da Argentina, ambos transmitidos pela Netflix, ao lado do programa australiano “Deadloch”, uma série da Prime Video, e da terceira temporada do “HPI” da França, encomendado pela emissora local. emissora TF1.

Quando o diretor de fotografia polonês Michal Dymek leu pela primeira vez o roteiro de “A Garota com a Agulha” – vencedor do prêmio principal Camerimage deste ano – ele disse que podia ver instantaneamente as cenas em sua mente: imagens nítidas e sombrias de uma favela dinamarquesa decrépita, onde trabalhadores exploradores durante a Primeira Guerra Mundial curvam-se sobre máquinas que rangem.

Ele viu composições clássicas de tomadas na tela enquadrando espaços claustrofóbicos e em ruínas onde pessoas desesperadas são apanhadas.

“Foi incrível, forte – como o melhor roteiro que já li”, diz Dymek. Ele soube imediatamente que o filme deveria ser em preto e branco, diz ele. “Eu queria criar uma máquina do tempo. Tudo o que sabemos daquela época vem de fotografias em preto e branco, então tivemos que filmar isso.”

Ao longo dos dois anos de preparação, à medida que a produção se transformava num projeto dinamarquês-sueco-polonês, diz Dymek, as lentes Leica Hugo foram decididas para ajudar a criar as distorções do vidro antigo para permanecerem fiéis às imagens de arquivo do início do século XX. vida dos trabalhadores governados por capitães da Era Industrial.

E os cenários sombrios criados dariam naturalmente origem à história de um assassino em série que promete alívio – a um custo – para mulheres que têm bebés que não podem manter.

“A Garota com a Agulha”, roteirizado pelo diretor Magnus von Horn e Line Langebek Knudsen, é baseado em eventos reais de um dos capítulos mais sombrios da história moderna dinamarquesa e segue a operária de uma fábrica têxtil Karoline enquanto as coisas se transformam em perigos que se aprofundam à medida que avançam. ela luta ferozmente para melhorar sua vida.

Dymek sabia, por trabalhar com von Horn em “Sweat”, uma história de obsessão e criação de mitos nas redes sociais de 2020, que os dois encontrariam novamente uma linguagem visual para expressar forças ameaçadoras que se aproximavam, diz ele.

Para capturar o mundo sombrio e decadente de Karoline, interpretado com uma força notavelmente silenciosa por Vic Carmen Sonne, Dymek recorreu a locais não muito distantes da escola de cinema de Lodz onde estudou. Ali, ele sabia, ao contrário do que é hoje uma Copenhaga limpa e simplificada, as cidades ainda têm “tudo torto, partido e a desmoronar”, como era a cidade dinamarquesa há um século.

Para os interiores escuros e sufocantes da fábrica, o cortiço onde Karoline mora e os quartos acima de uma loja de doces onde a verdadeira natureza do mal a acolhe, Dymek e van Horn decidiram construir cenários onde pudessem controlar totalmente os espaços. “Precisava ser apertado, onde as pessoas ficassem espremidas e não pudessem se movimentar e não houvesse luz, nem ar”, diz o diretor de fotografia.

Filmar com um Arri Mini LF, usando um sensor de cor, permitiria usar filtros em imagens em preto e branco para ajudar a manipular tons de pele e espectros de sombras, diz Dymek.

Eles também queriam que aquele mundo fosse “desagradável”, acrescenta ele, “e que sentisse suor, fumaça, vapor”.

O ritmo da narrativa seria constante e formal, diz Dymek, com planos estáticos e planos longos em que os atores se movem através de cenas sem cortes, prestando homenagem ao cinema polaco New Wave – mas, acrescenta, “não queriam dogma. Então você segue a emoção: corte quando achar que deveria cortar, segure a tacada quando achar que deveria segurar.”

E igualmente importante, diz ele, “permitir que os atores conduzam a câmera”.

As constantes mudanças de humor de Sonne, à medida que oscilam entre a esperança, o medo e o desespero, são frequentemente captadas com o mais ligeiro gesto visível num plano amplo, acentuado por mudanças súbitas de luz, por vezes com sobre-exposição durante flashes de dor intensa, diz Dymek.

A câmera, por sua vez, é tão restrita quanto a vida de Karoline, com movimentos mínimos – muitas vezes forçados a evitar que um vislumbre do século 21 penetre no quadro.

Os cenários da desenhista de produção Jagna Dobesz são notavelmente evocativos da época, ao mesmo tempo que fazem o público sentir visceralmente a pobreza abjeta de Karoline – e também sentir o ar fresco de sua única chance fugaz de vasta riqueza.

Trabalhar em estreita colaboração com os espaços e a luz que eles continham foi uma parte essencial do trabalho, diz Dymek. “Qualquer parede branca era pintada instantaneamente”, lembra ele, de modo que o tom de pele de Karoline é invariavelmente o tom mais claro da cena.

Trine Dyrholm, como a malévola Dagmar, baseada no notório serial killer de Copenhague, traz um personagem diferente e mais complexo, diz Dymek, e tem uma abordagem mais técnica do que Sonne, que abraçou a improvisação diante das câmeras. Isso permitiu que os cineastas coreografassem cuidadosamente seus movimentos enquanto o assassino da loja de doces criava seus enganos letais.

Inspirados em clássicos do drama sombrio, de “A Lista de Schindler” a “A Sangue Frio” e no expressionismo alemão, Dymek e von Horn tentaram homenagear uma grande obra que também viaja por lugares de loucura, diz ele, ao criar o horror psicológico de “A garota com a agulha.”

Enquanto isso, uma paisagem sonora surreal e sonora criada por Kim Dalum, Morten Pilegaard e Oskar Skriver adiciona uma camada distinta da própria criação da equipe, colocando uma nova marca nas convenções estabelecidas.

Refletindo agora sobre as filmagens, Dymek diz: “Acho que este filme foi uma homenagem à forma como os mestres nos ensinaram a pensar sobre o cinema”.

John Seale, o diretor de fotografia australiano que ganhou um Oscar por “O Paciente Inglês” e tem outras quatro indicações por “Witness”, “Rain Man”, “Cold Mountain” e “Mad Max: Fury Road” de 2015, foi um dos os convidados internacionais de maior destaque no Festival Internacional de Cinema da Índia.

Em uma masterclass de sábado, ele examinou vários ângulos da cinematografia e da indústria cinematográfica em geral. Os tópicos vão desde o trabalho com atores, sua preferência por ser um cinegrafista de iluminação, até o uso de múltiplas câmeras e a garantia de que ele aborda cada filme como um desafio novo e diferente.

Suas descrições de um início de carreira na televisão, trabalhando com orçamentos baixos e os grandes sucessos dos cineastas australianos na década de 1980 foram uma viagem feliz pela memória e instrutivas para aquelas pessoas que trabalham fora da zona de conforto do sistema de Hollywood.

“No início dos anos 1960, a indústria cinematográfica australiana era zero. Não havia nenhuma indústria cinematográfica digna de menção. Houve um filme americano muito ocasional que poderia ter chegado à Austrália ou ao Pacífico. Principalmente naquela época era a televisão. “Depois de um ano em Sydney, entrei na Australian Broadcasting Commission, que é a estação de televisão administrada pelo governo, e comecei um aprendizado de sete anos porque não havia escolas de cinema.

“Tínhamos um núcleo de 26 cinegrafistas, (usados) para todos os aspectos da cobertura televisiva, desde notícias, documentários televisivos sobre problemas rurais e agrícolas, até artes e música. Recebi longas palestras sobre como nivelar a câmera para uma corrida de cavalos. Parece bobagem, mas foram inestimáveis, pequenas dicas de como fazer uma câmera registrar uma situação da melhor maneira possível.”

Após cerca de quatro anos de mandato, a ABC decidiu iniciar a produção de dramas de 50 minutos. “De repente fomos para o Outback com atores e uma grande câmera 35mm, e eu simplesmente me apaixonei por isso”, disse ele.

Determinado a se concentrar mais no cinema, Seale tornou-se freelancer. Acabou sendo uma época em que a indústria estava desfrutando do sucesso das notícias.

“A indústria cinematográfica australiana floresceu e com diretores maravilhosos, como Phillip Noyce e Peter Weir, que começaram a fazer filmes na Austrália, que foram escritos por australianos, e começaram a receber reconhecimento mundial.”

Seale foi operador de câmera em 1975 no icônico “Picnic at Hanging Rock” de Weir. Ele diz que aprendeu muito com a “excelente” atenção de Weir aos detalhes emocionais. “Isso gerou uma história simples sobre garotas que desaparecem em uma montanha em um filme complexo e maravilhosamente emocional.”

Seale diz que não ficou impressionado com os americanos que vieram para a Austrália com ideias estereotipadas sobre o que precisava ser um plano amplo, um plano médio e um close-up ou quais luzes precisavam ser usadas.

“Por que deveríamos (usar esse) sistema? Esses primeiros filmes na Austrália conquistaram prêmios internacionais maravilhosos”, disse ele. Mesmo assim, Seale foi para os EUA com Weir em 1985 para filmar “Witness”, um filme que rendeu indicações a prêmios para muitos membros da equipe.

“Adoramos a maneira australiana de trabalhar. Nada era demais. Não houve dramas. Foi tipo, ‘Oh, você quer fazer isso? Ok, me dê 10 minutos. Eu posso resolver isso. E, como os filmes australianos não podiam pagar horas extras, costumávamos receber (dada) uma cerveja gelada no final do dia por fazermos duas horas (extras).”

“O que trouxemos para o sistema americano foi honrar o orçamento e o cronograma, o que, creio eu, ajudou muitos australianos a (ter sucesso). Esse aprendizado e atitude perante a vida, que ainda mantemos até certo ponto, (significa que) há uma enorme quantidade de australianos trabalhando agora na América e na Ásia e na Europa.”

Os fãs de The Legend of Zelda podem conseguir um ótimo negócio em um controle sem fio do Nintendo Switch com o tema da icônica série de ação e aventura. Como parte de Promoção da Black Friday da AmazonPowerA’s Legend of Zelda: controlador Bluetooth protetor juramentado tem desconto de apenas $ 25, que é o melhor preço até agora para o controlador de $ 45.

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Quanto às características técnicas, o controlador possui dois botões traseiros que podem ser remapeados na hora, o que é uma ótima vantagem, principalmente nesta faixa de preço. Como ele se conecta via Bluetooth, você também pode usá-lo em PCs e dispositivos móveis. O controlador tem uma peculiaridade incomum: é alimentado por baterias AA. Seu primeiro par está incluído e você deve ter cerca de 30 horas de jogo antes de precisar trocá-los. Além disso, você sempre pode optar por baterias recarregáveis, como este kit Energizer com quatro baterias incluídas por apenas $ 15 (50% de desconto).

Os controladores Switch de terceiros não possuem leitores NFC para Amiibo ou HD rumble – este controlador não possui nenhum ruído. E embora alguns controladores PowerA Switch tenham controles de movimento, este não.

Se você quiser todos esses recursos, precisará optar pelo Switch Pro Controller da Nintendo, que está à venda por US$ 50 em vários grandes varejistas como parte das ofertas oficiais da Black Friday da Nintendo. O Pro Controller quase nunca tem desconto em seu preço de US $ 70, então vale a pena considerar este melhor negócio de todos os tempos. Você também pode adquirir um par de controladores Joy-Con Neon Red e Blue por US$ 60, abaixo dos US$ 80.

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Embora a maioria das narrativas de espionagem envolvam uma missão intensa, acrobacias estelares e efeitos especiais, “The Agency” da Showtime oferece ao público algo diferente. Uma adaptação da aclamada série francesa “The Bureau”, de Eric Rochant, o novo programa investiga a profunda turbulência pessoal e psicológica que acompanha os empregos de alto risco e a ocultação da identidade. Profundamente envolvente (nos três episódios disponibilizados à crítica), o thriller de espionagem explora o custo humano do trabalho secreto.

Depois de passar seis anos disfarçado, o agente especial da CIA de codinome Martian (um fascinante Michael Fassbender) retorna ao quartel-general em Londres para se aclimatar à vida civil. Saindo de um jato particular, Marciano parece estóico e impassível. Ele prossegue com seus vários protocolos – troca de veículos, mudança de local e entrega de seus dispositivos. Ainda assim, quando Marciano finalmente se instala em seu novo apartamento, as coisas não são exatamente o que parecem. Depois de vasculhar as salas, Marciano descobre vários bugs de vigilância estrategicamente posicionados. Os telespectadores também descobrem que ele foi afastado de sua missão na Etiópia, forçando-o a romper os laços com sua amante, Sami (Jodie Turner-Smith).

Exteriormente, Marciano parece satisfeito com sua nova rotina, reconectando-se com sua filha adolescente, Poppy (India Fowler), e ajudando o chefe de estratégia da agência, Henry (Jeffrey Wright), e o chefe de escritório, Bosko (Richard Gere), em meio à notícia de que um agente se tornou desonesto. na Bielorrússia. No entanto, ele e seus colegas ficam imediatamente agitados com a chegada da Dra. Blake (Harriet Sansom Harris), que foi enviada para avaliar a saúde mental em todo o departamento. Rapidamente fica claro que Marciano tem segredos. Ao falar com sua treinadora, Naomi (Katherine Waterston), ele minimiza significativamente seu romance etíope.

“A Agência” é fascinante porque vai além de Marte, concentrando-se em outros agentes e em suas funções na CIA. Henry tem posição, mas seu status não lhe dá autorização para cuidar de um membro da família envolvido em uma operação perigosa. Isoladas em segurança em Londres, Naomi e seus colegas, Owen (John Magaro) e Blair (Ambreen Razia), lutam para manter os agentes secretos seguros quando prazos, escolhas e relacionamentos são deliberadamente ocultados deles.

Além disso, o thriller segue Danny (Saura Lightfoot-Leon), um novo recruta prestes a embarcar em sua primeira missão no Irã. De pensamento rápido e competente, ela se prepara para se disfarçar, trabalhando em suas habilidades sob a tutela de Martian e Naomi. No entanto, enquanto Danny observa seu passaporte verdadeiro sendo colocado em uma trituradora, o tormento do auto-abandono começa a pesar sobre ela. É uma sensação doentia que afeta sua psique.

Agentes secretos e espiões são frequentemente descritos como indivíduos compostos e sexy, sem esforço, que não são desencadeados ou movidos por seus trabalhos perigosos. “A Agência” corta esta fachada. Na abertura da série, “The Bends”, Martian luta contra sua compulsão de entrar em contato com Sami, evitando os agentes que o perseguem e mantendo um documento de identificação que deveria ter entregue. Os designers de produção Jordana Finkel e Sarah Greenwood apagam as memórias da vida de Martian na Etiópia. em cores vibrantes, um nítido contraste com a escuridão sombria da Inglaterra. Também fica evidente que Marciano ignorou alguns detalhes cruciais sobre Sami ao se permitir se apaixonar por ela.

A maioria das coisas, boas e más, tem um preço, mas como os perigos da inteligência e do trabalho de espionagem são normalmente envolvidos num arco emocionante, o trabalho mental do trabalho raramente é examinado. “A Agência” adverte que mesmo agentes secretos bem treinados não conseguem fugir às suas próprias imperfeições e desejos. Em vez disso, a raiva, a desconfiança, a agressão e a dor aparecerão e assumirão o controle em tempos traiçoeiros.

Os dois primeiros episódios de “The Agency” estreia em 29 de novembro na Paramount + com Showtime. Novos episódios aparecem semanalmente às sextas-feiras.

Tendo feito sucesso com o curta tenso e brutal de pequenos crimes “No Key”, vencedor do Indie Short Fest que também foi exibido no Fantastic Fest, o diretor Walid Messnaoui, nascido em Casablanca, e a produtora marroquina de rápida construção Caestus Films estão preparando o primeiro longa-metragem de Messnaoiu, “A Última Besta de Atlas”, descrito como um faroeste e drama crepuscular.

“A Última Besta” é considerada uma das estreias agitadas a ser apresentada nos Atlas Workshops do Festival de Cinema de Marraquexe, que promete uma gama deslumbrante de títulos de talentos geralmente jovens de África e do mundo árabe que abrangem uma enorme variedade de géneros. “A Última Besta” é um exemplo proeminente.

Produzido pelos fundadores da Caestus Films, Taoufik Rais e El Mahdi Amsrouy, “A Última Besta do Atlas” se passa no coração do Médio Atlas na década de 1990. Acontece que Boulohouch, um lendário bandido que lidera um bando de rebeldes, se torna um símbolo de liberdade e terror.

“Mas à medida que o mito começa a desmoronar, o homem por trás da lenda é revelado, confundindo a linha entre herói e vilão num Marrocos dividido entre tradições antigas e o alvorecer de um novo milénio”, diz a sinopse.

“A Última Besta do Atlas desconstrói o mito de Boulohouch, um caçador lendário que realmente existiu e se tornou o líder da mais infame gangue de bandidos do Marrocos no Médio Atlas na década de 1990”, disseram os produtores Rais e Amsrouy. Variedade.

“Reverenciado por alguns como uma figura de Robin Hood e temido por outros como um bandido implacável, Boulohouch incorpora a complexa dualidade de heroísmo e vilania. O filme explora como as sociedades constroem seus heróis – apenas para derrubá-los”, acrescentaram.

O filme é escrito por Smail Mojahid, roteirista e professor de roteiro no ISMAC (Institut Supérieur des Métiers de l’Audiovisuel et du Cinéma) em Rabat.

“Quando Walid teve a ideia de fazer um filme sobre Boulohouch, Smail foi a escolha óbvia”, disseram Rais e Amsrouy. “Tendo crescido na região do Médio Atlas, ele tem uma compreensão profunda desta história e das nuances culturais que a rodeiam. Sua capacidade de transformar essas histórias em épicos poderosos foi essencial na formação de ‘A Última Besta de Atlas’.

Nos Workshops Atlas, Rais e Amsrouy apresentarão o roteiro, um plano de financiamento detalhado e um cronograma de produção. “Esses materiais fornecerão uma visão geral da visão criativa do projeto e da nossa estratégia financeira para sua realização”, afirmaram.

Com dois títulos em Workshops – “A Última Besta de Atlas” e “The Nours” de Yassine Iguenfer – a Caestus Films está se consolidando rapidamente como player no cenário cinematográfico marroquino. Fundado em 2019 por Rais e Amsrouy, tem como objetivo dar a conhecer o rico património cultural do país através do cinema. “A empresa é especializada na adaptação de contos lendários e mitos fundamentais, oferecendo histórias com apelo universal ao público internacional”, disseram os produtores.

Variedade alcançou Messnaoui, cujo “No Key”, um retrato lamentável do machismo encharcado de drogas, o estabeleceu como um talento a ser rastreado.

The Last Beast of Atlas” é descrito como “um faroeste e drama crepuscular”. Você poderia explicar como os dois se combinam?
Messnaoui: Não vejo isso como uma combinação de dois gêneros. Um faroeste crepuscular lida inerentemente com o fim de uma era – uma história de declínio, onde os heróis enfrentam a morte, a obscuridade ou questionam seu lugar em um mundo que está mudando ao seu redor. Quando você conta essas histórias, especialmente sobre pessoas reais, o drama surge naturalmente. O gênero em si é uma reflexão sobre a mortalidade, as mudanças sociais e o peso do legado, tornando o drama uma parte inseparável dessa exploração.

Quando você fala de um “faroeste crepuscular”, você tem algum em mente?
Absolutamente. Há muitos, mas dois se destacam: “O assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford”, de Andrew Dominik, e “No Country for Old Men”, dos irmãos Coen. Ambos são contemplativos e atmosféricos, com paisagens profundamente entrelaçadas com as jornadas interiores dos personagens. Esta profunda ligação entre cenário e narrativa é algo que admiro profundamente e pretendo imitar no meu trabalho.

Você ambienta o filme na década de 1990 e a sinopse fala sobre o “novo milênio”. Será esta uma referência à modernidade que atinge o Médio Atlas? Em caso afirmativo, que formas assumiu?
Sim, absolutamente. Houve muitas áreas em Marrocos, especialmente no Médio Atlas, que ficaram esquecidas durante muito tempo. Nestes locais, as pessoas muitas vezes percebiam-se como vivendo fora do tempo e do espaço – não fazendo parte da sociedade contemporânea ou mesmo da nação em geral. Isso pode ser visto como liberdade ou ilegalidade. No entanto, a década de 1990 marcou um ponto de viragem. À medida que o novo milénio se aproximava, a modernização começou a invadir estas bolsas isoladas de tradição, remodelando o seu modo de vida. O conceito de “Western de Crepúsculo” surgiu naturalmente dessa dinâmica. Em vez do típico cenário desértico, imaginei uma “fronteira verde” com montanhas e vastas florestas – um cenário desconhecido, mas adequado para este tipo de narrativa.

Você poderia detalhar como planeja dirigir o filme: Que tipo de estilo?
É difícil definir um estilo específico, pois pretendo criar algo exclusivamente meu. Dito isto, imagino o filme começando silencioso e contemplativo, enfatizando a vastidão da natureza em contraste com as lutas do personagem. Quero misturar autenticidade narrativa com uma estética estilizada. As florestas e montanhas serão filmadas com um certo brilho, lembrando “Dreams” de Kurosawa ou “Excalibur” de John Boorman. Meu objetivo é criar paisagens quase fantásticas que enquadrem uma história profundamente realista. O ritmo aumentará gradualmente, culminando em sequências frenéticas e intensas perto do clímax do filme.

Um novo filme do Sonic chegará aos cinemas em breve, e a melhor maneira de se preparar para isso é com um Desconto da Black Friday no recém-lançado Sonic X Shadow Generations. Para quem cresceu com os jogos do Sonic especificamente na década de 2010, esta é uma adorável remasterização das Gerações Sonic de 2011, juntamente com uma nova campanha estrelada por Shadow the Hedgehog. Sonic X Shadow Generations custava US$ 50 quando foi lançado há exatamente um mês, mas você pode ganhá-lo por apenas US$ 30 no Trocar, PS5ou Xbox Série X.

E se você quiser assistir novamente aos dois primeiros filmes do Sonic antes de ir ao cinema, a Amazon tem Coleção de 2 filmes do Sonic em Blu-ray por apenas $ 16. Alternativamente, você pode pontuar Edições 4K de cada filme com caixas de aço de edição limitada por apenas $ 24,85. Para completar sua coleção, você pode adquirir o da Paramount Minissérie Knuckles em Blu-ray com caixa de aço por $ 28,79.

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Sonic X Shadow Generations inclui dois jogos. O primeiro é uma remasterização de Sonic Generations, que é uma celebração do Sonic ao longo dos tempos com uma mistura de níveis 2D clássicos inspirados nos dias do Sega Genesis do Blue Blur e níveis 3D em ritmo acelerado que parecem ter sido retirados diretamente dos jogos Sonic Adventure. no Dreamcast.

A outra campanha é um enredo totalmente novo onde você joga como o anti-herói de Sonic, Shadow. Semelhante à campanha de Sonic, os estágios de Shadow acontecem em arenas 2D e 3D, mas parecem diferentes graças aos poderes que você pode desbloquear para ajudá-lo a superar vários obstáculos em seu caminho. Esta oferta da Amazon Black Friday é uma ótima chance de adicionar o jogo à sua biblioteca por um preço baixo.

O desconto de $ 20 está disponível na Amazon, Best Buy e Target.

Ofertas de jogos da Black Friday do Sonic the Hedgehog

Alguns outros jogos do Sonic também estão à venda por Black Friday se você quiser construir uma pequena biblioteca de aventuras rápidas, incluindo Fronteiras Sônicasque é um enorme jogo de mundo aberto que dá ao Sonic um grande playground para acelerar, lutas titânicas contra chefes e uma trilha sonora incrivelmente metálica. Para uma sensação mais clássica do Sonic, confira Sonic Origens Plus e Superestrelas do Sonicou você pode obter os dois Sonic Mania e Equipe Sonic Racing em um pacote para Switch.

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Alguns dos conjuntos de jogos e modelos de exibição Sonic the Hedgehog da Lego estão à venda na Black Friday, incluindo o Modelo de exibição Green Hill Zone de 1.125 peçasque está em disputa por US$ 54,40 na Amazon. Este é o maior conjunto de Lego, por número de peças, com o clássico mascote da Sega. Enquanto isso, a Target tem o adorável conjunto de 393 peças Tails’ Workshop e Tornado Plane com 50% de descontobaixando o preço para apenas US$ 20. Ele vem com quatro figuras de personagens: Sonic, Tails, Buzz Bomber e Clucky. Desafio da Esfera de Velocidade do Sonicque inclui um lançador funcional para enviar Sonic voando, também está à venda por US$ 20.

Para mais ofertas em videogames, conjuntos de Lego e Blu-rays, confira o hub Black Friday da Cibersistemas, que será adicionado a todos durante a semana e durante o fim de semana de feriado.