‘A garota com a agulha’ homenageia o terror psicológico clássico

Quando o diretor de fotografia polonês Michal Dymek leu pela primeira vez o roteiro de “A Garota com a Agulha” – vencedor do prêmio principal Camerimage deste ano – ele disse que podia ver instantaneamente as cenas em sua mente: imagens nítidas e sombrias de uma favela dinamarquesa decrépita, onde trabalhadores exploradores durante a Primeira Guerra Mundial curvam-se sobre máquinas que rangem.

Ele viu composições clássicas de tomadas na tela enquadrando espaços claustrofóbicos e em ruínas onde pessoas desesperadas são apanhadas.

“Foi incrível, forte – como o melhor roteiro que já li”, diz Dymek. Ele soube imediatamente que o filme deveria ser em preto e branco, diz ele. “Eu queria criar uma máquina do tempo. Tudo o que sabemos daquela época vem de fotografias em preto e branco, então tivemos que filmar isso.”

Ao longo dos dois anos de preparação, à medida que a produção se transformava num projeto dinamarquês-sueco-polonês, diz Dymek, as lentes Leica Hugo foram decididas para ajudar a criar as distorções do vidro antigo para permanecerem fiéis às imagens de arquivo do início do século XX. vida dos trabalhadores governados por capitães da Era Industrial.

E os cenários sombrios criados dariam naturalmente origem à história de um assassino em série que promete alívio – a um custo – para mulheres que têm bebés que não podem manter.

“A Garota com a Agulha”, roteirizado pelo diretor Magnus von Horn e Line Langebek Knudsen, é baseado em eventos reais de um dos capítulos mais sombrios da história moderna dinamarquesa e segue a operária de uma fábrica têxtil Karoline enquanto as coisas se transformam em perigos que se aprofundam à medida que avançam. ela luta ferozmente para melhorar sua vida.

Dymek sabia, por trabalhar com von Horn em “Sweat”, uma história de obsessão e criação de mitos nas redes sociais de 2020, que os dois encontrariam novamente uma linguagem visual para expressar forças ameaçadoras que se aproximavam, diz ele.

Para capturar o mundo sombrio e decadente de Karoline, interpretado com uma força notavelmente silenciosa por Vic Carmen Sonne, Dymek recorreu a locais não muito distantes da escola de cinema de Lodz onde estudou. Ali, ele sabia, ao contrário do que é hoje uma Copenhaga limpa e simplificada, as cidades ainda têm “tudo torto, partido e a desmoronar”, como era a cidade dinamarquesa há um século.

Para os interiores escuros e sufocantes da fábrica, o cortiço onde Karoline mora e os quartos acima de uma loja de doces onde a verdadeira natureza do mal a acolhe, Dymek e van Horn decidiram construir cenários onde pudessem controlar totalmente os espaços. “Precisava ser apertado, onde as pessoas ficassem espremidas e não pudessem se movimentar e não houvesse luz, nem ar”, diz o diretor de fotografia.

Filmar com um Arri Mini LF, usando um sensor de cor, permitiria usar filtros em imagens em preto e branco para ajudar a manipular tons de pele e espectros de sombras, diz Dymek.

Eles também queriam que aquele mundo fosse “desagradável”, acrescenta ele, “e que sentisse suor, fumaça, vapor”.

O ritmo da narrativa seria constante e formal, diz Dymek, com planos estáticos e planos longos em que os atores se movem através de cenas sem cortes, prestando homenagem ao cinema polaco New Wave – mas, acrescenta, “não queriam dogma. Então você segue a emoção: corte quando achar que deveria cortar, segure a tacada quando achar que deveria segurar.”

E igualmente importante, diz ele, “permitir que os atores conduzam a câmera”.

As constantes mudanças de humor de Sonne, à medida que oscilam entre a esperança, o medo e o desespero, são frequentemente captadas com o mais ligeiro gesto visível num plano amplo, acentuado por mudanças súbitas de luz, por vezes com sobre-exposição durante flashes de dor intensa, diz Dymek.

A câmera, por sua vez, é tão restrita quanto a vida de Karoline, com movimentos mínimos – muitas vezes forçados a evitar que um vislumbre do século 21 penetre no quadro.

Os cenários da desenhista de produção Jagna Dobesz são notavelmente evocativos da época, ao mesmo tempo que fazem o público sentir visceralmente a pobreza abjeta de Karoline – e também sentir o ar fresco de sua única chance fugaz de vasta riqueza.

Trabalhar em estreita colaboração com os espaços e a luz que eles continham foi uma parte essencial do trabalho, diz Dymek. “Qualquer parede branca era pintada instantaneamente”, lembra ele, de modo que o tom de pele de Karoline é invariavelmente o tom mais claro da cena.

Trine Dyrholm, como a malévola Dagmar, baseada no notório serial killer de Copenhague, traz um personagem diferente e mais complexo, diz Dymek, e tem uma abordagem mais técnica do que Sonne, que abraçou a improvisação diante das câmeras. Isso permitiu que os cineastas coreografassem cuidadosamente seus movimentos enquanto o assassino da loja de doces criava seus enganos letais.

Inspirados em clássicos do drama sombrio, de “A Lista de Schindler” a “A Sangue Frio” e no expressionismo alemão, Dymek e von Horn tentaram homenagear uma grande obra que também viaja por lugares de loucura, diz ele, ao criar o horror psicológico de “A garota com a agulha.”

Enquanto isso, uma paisagem sonora surreal e sonora criada por Kim Dalum, Morten Pilegaard e Oskar Skriver adiciona uma camada distinta da própria criação da equipe, colocando uma nova marca nas convenções estabelecidas.

Refletindo agora sobre as filmagens, Dymek diz: “Acho que este filme foi uma homenagem à forma como os mestres nos ensinaram a pensar sobre o cinema”.